Die 15 größten Emo-Songs aus Chris Paynes „Where Are Your Boys Tonight“

Payne erzählt die Geschichte des Jahrzehnts, die er in seiner herausragenden Emo-Oral History aus den 2000ern mit Liedern von Dashboard Confessional, Fall Out Boy, Paramore und anderen behandelt.

Von Andrew Unterberger

Von Kellershows bis hin zu einer Fantasy Suite bei den MTV Video Music Awards: Chris Paynes „Where Are Your Boys Tonight?“ „The Oral History of Emo's Mainstream Explosion 1999-2008“ verfolgt die Entwicklung der dritten Welle des Emo, während sie zu einem der prägenden Rockgenres und Jugendkulturen der frühen 2000er Jahre wurde.

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Diejenigen, die es auf der Bühne, im Graben und überall dazwischen miterlebt haben, erinnern sich an „Where Are Your Boys Tonight?“. ist eine lebendige und atemlose Lektüre, die Sie unzählige Momente noch einmal erleben lässt, die Sie vielleicht beim ersten Mal tatsächlich erlebt haben oder auch nicht. Sie werden die stechende Kälte vor der Feuerwehrshow von Jersey um die Jahrtausendwende spüren, das klaustrophobische Knirschen im Inneren des überverkauften Chicagoer Geldscheins Mitte der 2000er-Jahre und sogar das gesellige Hochgefühl, in der New Yorker Promi-Szene-Bar zu sein das späte Jahrzehnt. Und natürlich werden Sie sich an die Bands erinnern: unzählige Mini-Gangs, die sich aus vorstädtischer Verzweiflung und einem Übermaß an Teenagergefühlen zusammengefunden haben, einige mit dem Ehrgeiz, die größten Rockstars der Welt zu werden, und andere nur darauf hoffen, eines Tages für eine Band aufzutreten ein paar hundert Fans in der örtlichen VFW-Halle.

Während die Energie des Buches berauschend ist, während es im Laufe des behandelten Jahrzehnts verschiedene Außenposten von „The Scene“ durchquert – und es schließlich landesweit im Radio, auf MTV und auf unzähligen Zeitschriftencovern verbreitet –, lebt der Geist des Buches in den CD- und Vinyl-Sammlungen weiter und Spotify- und Apple Music-Playlists der Menschen, die die Musik im Kern lebten und liebten. Es ist eine Geschichte, die man ohne ihre Lieder nicht erzählen kann, seien es zeitlose Klassiker, die die Kultur verändert haben, oder eher vergessene Juwelen, die in der Ära, die sie war, dennoch unverzichtbar waren. Zu diesem Zweck hat Payne die 15 Songs ausgewählt, die die in seinem Buch beschriebenen Jahre am besten einfangen und einen Moment am besten definieren, der auch 15 Jahre nach seinem inoffiziellen Ende noch bei Publikum aller Altersgruppen (und noch breiterer Bevölkerungsgruppen) Anklang findet. (Offenlegung: Payne ist ein ehemaliger Billboard-Autor und ein langjähriger Freund.)

Hier sind Paynes Tipps, präsentiert in seinen eigenen Worten, in ungefähr chronologischer Reihenfolge. Das Interview wurde aus Gründen der Klarheit bearbeitet und gekürzt. Wo sind deine Jungs heute Abend? erscheint heute (6. Juni) bei Harper Collins.

Für die Erzählung im Buch wollte ich die Mainstream-Emo-Sachen der dritten Welle mit der vorherigen Emo-Welle verbinden. Heutzutage verwenden die Leute einfach den Sammelbegriff „Midwest-Emo“, um über alles zu sprechen, auch wenn nicht alles davon aus dem Mittleren Westen stammt. Also Sachen wie Braid und American Football und Promise Ring. Get Up Kids fühlt sich mehr als jede andere Band dieser Gruppe wie diejenige an, die bis in die Emo-Ära reicht, um die es in meinem Buch geht.

„Ten Minutes“ ist ein äußerst eingängiger, gut konstruierter Song. Und aus Gesprächen mit vielen Leuten von damals kam es tatsächlich so vor, als gäbe es einen spürbaren Hype um die Popband Get Up Kids – mehr als um jede andere Band, die sie sich ausgedacht haben. Und Something to Write Home About, dieses Album verkaufte sich im ersten Jahr etwa 200.000 Mal für Vagrant, ein unabhängiges Label. Es brachte Vagrant auf die Landkarte, was am Ende vielleicht zum Label für die ersten paar Jahre meines Buches werden würde.

Dieses Lied erschien 1999 – das nächste Album von Get Up Kids erschien erst 2002, ein Album namens „On a Wire“, und es war eher ein Indie-Folk-Album. Und von da an wurden die Get Up Kids nie wirklich zu der Pop-Crossover-Band, von der viele Leute dachten, dass sie es im Jahr 1999 sein könnten. Das liegt meiner Meinung nach viel mehr an den Entscheidungen, die sie getroffen haben, nämlich daran, nicht diese Pop-Crossover-Band sein zu wollen, als an irgendetwas, was sie falsch gemacht oder falsch berechnet haben. Dennoch fühlt sich dieser Song wie der beste Popsong des ersten Albums dieser Ära an, der das Gefühl hat, er hätte ein großes Pop-Album werden können.

Eine der Szenen, die ich in dem Buch liebe – sie sind die Band, die mit dem Bus bei der großen Jersey-Show auftaucht und allen in der Szene zeigt, dass das möglich ist. Schon der Einstieg in den Bus ist für all diese Bands eine große Sache und zeigt irgendwie, wie bescheiden die Ambitionen damals waren.

Ja, es ging einfach nur darum, in einer VFW-Halle oder in einem Feuerwehrhaus zu spielen. Aber oft mögen 500 Szene-Kids. Wenn ich also „nur“ sage, ist es immer noch so: „Verdammt, das sind so viele Leute.“ Das finde ich wirklich cool und zeigt wirklich, wie lebendig diese Szenen waren. Denn eine Show wie die, von der Sie gerade gesprochen haben, wurde im Grunde genommen nur von Kindern gebucht. Es war keine Live-Nation-Produktion. Es waren Kinder, die eine PA von Guitar Center oder so etwas gemietet haben, eine Elks Lodge gemietet haben und ein paar verschiedene Kinder, die ein paar Bands zusammengebracht haben, die zufällig zur gleichen Zeit durch New Jersey kamen. Und es ist einfach so, dass die Szene in New Jersey zu dieser Zeit so lebendig war, dass so viele Kinder davon begeistert waren.

Ich denke, ein großes Thema meines Buches ist im Rückblick im Grunde einfach: „Hardcore-Bands werden poppiger.“ Das ist es. Wenn jemand Manager werden und in die Zeit von 1999 zurückkehren und eine Menge Geld verdienen wollte, hätte das wie ein Elevator Pitch sein können. Zum Beispiel: „Finde Hardcore-Bands und mache sie süßer und poppiger.“

Dieses Lied stammt von Through Being Cool, das 1999 herauskam – das war noch ein paar Jahre, bevor ich mich mit dieser Szene beschäftigte. Ich war in diesem Jahr 10 Jahre alt. Deshalb wollte ich wirklich meine Sorgfaltspflicht erfüllen und mit vielen Leuten sprechen, vor allem in Jersey, die damals an der Szene beteiligt waren, damit ich mit dem Setting alles richtig machen konnte. Und so viel kehrte immer wieder zu „Saves the Day, Through Being Cool“ zurück. Es gibt einige Bands, bei denen es meiner Meinung nach in der Geschichtsschreibung so aussieht, als wären sie die ersten Großen gewesen – aber Jersey war die größte Szene, die wichtigste Szene dieser Ära. Und im Jahr 1999, dem Jahr, in dem das Buch beginnt, war Saves the Day die größte Band.

Dieses Album ist einfach ein Blitzableiter für Diskussionen. Die Leute haben so viel darüber geredet, dass die Band ein Bild von sich selbst auf dem Cover hat, anstatt einfach so zu sein wie ein schwarz-weißes, wütend aussehendes Hardcore-Album. Und wissen Sie, in den Liner Notes steht die ganze Handlung, in der die Band sich auf einer Party unwohl fühlt und versucht, mit Mädchen zu reden – sehr sinnbildlich für die damalige Szene. Und der Text dieses Liedes ist auch sehr sinnbildlich für das, was viele, viele Male von Bands dieser Szene mit diesem Genre kopiert würde, dieser Art Subgenre von Texten vom Typ „Töte deine Ex-Freundin mit einer Kettensäge“. Im Guten wie im Schlechten gaben dieses Album und dieser Song wirklich den Ton für vieles vor, was dieses Genre noch bringen sollte.

Du sprichst davon, dass sie sich für das Cover schämen – es sieht so aus, als hätten ihre Modewahl vielleicht genauso viel Kritik bekommen wie ihre Pop-Hooks oder so. Es wurde so viel Wert darauf gelegt, dass sie nur normale Kleidung tragen.

Ja, und ich denke, das hat auch maßgeblich dazu beigetragen, dass die Szene so groß wurde. Weil es mehr Leute ins Zelt brachte. Sie sehen irgendwie aus wie durchschnittliche Highschool-Kinder. Ich denke, für durchschnittliche Kinder in Einkaufszentren in den Vororten fühlte es sich eher so an: „Oh, diese Band könnte ich sein.“ Im Gegensatz dazu sieht es vielleicht wie ein Bild von Snapcase oder Earth Crisis oder so aus.

Deshalb wollte ich mit diesem Buch vor allem sehen, wie viel von der überlieferten Legende wirklich real wirkt, und zwar durch Gespräche mit vielen Menschen, die tatsächlich dort waren. Und wenn man im Laufe der Jahre über diese Musik liest, hört man so viel von „Oh mein Gott, als das Video ‚Understanding In a Car Crash‘ auf MTV kam“ – technisch gesehen MTV2 – und so viele Leute sagen: „Das war der Moment, in dem …“ Kellershows, der Untergrund ist kaputt. Also dachte ich: „Lassen Sie uns das genauer untersuchen. Wie wahr war das?“

Es stellte sich heraus, dass es verdammt wahr war. Wie wir gleich sehen werden, gibt es ein paar große, wichtige Songs, die 2001 herauskommen. Aber für eine Band, die aus dem Untergrund von New Jersey stammt, aus dieser super-mythologisierten Kellerszene, bekommt Donnerstag einen Song auf MTV2 – wo in dem Video ein Typ einer Band in kurzen Hosen auf der Bühne spielt – das war ziemlich verrückt. Und ich denke, es hat viele Mainstream-Leute für die Idee geöffnet, dass „Heavy-Rock-Musik mit Geschrei ihren Platz im Mainstream hat.“

Einige Leute in dem Buch sprechen darüber, wie wichtig es sei, dass Geoff Ricklys Texte keine „Lieder über Mädchen“ seien. Waren sie die erste Big Band in dieser Szene, die so etwas tat? Waren sie die ersten, die Höheres im Sinn hatten?

Ja, es handelt sich nicht um den Songtext „Töte deine Freundin mit einer Kettensäge“. Textlich wurde Geoff stark von DC-Hardcore-Bands beeinflusst – offensichtlich von Fugazi, aber auch von Sachen wie Q und Not U, vielen Bands, die eine tiefere, intelligentere Botschaft hatten. Außerdem glaube ich, dass Geoff aus einem sehr literarisch geprägten Haushalt stammte. Ich bin mir ziemlich sicher, dass seine Eltern ihn nach Geoffrey Chaucer benannt haben. Daher kam er also.

Und irgendwie durch Zufall wurde Thursday die Band, die das in den Mainstream brachte. Am Donnerstag wollte ich nicht sagen: „Okay, wir nehmen Singalong-Refrains, Hardcore-Geschrei und Breakdowns und verdienen Geld.“ Ich denke, ihr Ding war eher der Versuch, für Hardcore plus Joy Division zu drehen. Aber sie haben das Ziel irgendwie verfehlt und sind zufällig auf diese Sache gestoßen, die zufällig eine Menge Leute angesprochen hat.

Rickly ist eine so interessante Figur in diesem Buch. Er ist einer der Hauptakteure als Frontmann der Band, kann aber auch als Produzent aus der Label- und A&R-Perspektive sprechen und ist zufällig mit einer Reihe anderer Figuren in dieser Geschichte verbunden. War er die ultimative Verbindungsfigur dieser Zeit? Kam es Ihnen so vor, als Sie ihn interviewten?

Ja, für mich, die an diesem Buch arbeitete, war Geoff Rickly der Traum eines jeden Interviewers. Und ich denke, mehr als alle anderen Bands ist Thursday wirklich das Bindeglied zwischen allem. Zwischen der Kellerszene und den A&R-Räumen des Major-Labels, zwischen Hardcore und dem Poppy-Zeug ist Thursday mehr als jeder andere das Bindeglied zwischen all dem.

Glauben Sie, dass die Leute das heute erkennen und ihnen dafür Anerkennung zollen?

Ich hoffe es. Ich meine, ich hatte in vielerlei Hinsicht das gleiche Gefühl, als ich mich 2003 und 2004 zum ersten Mal mit ihnen beschäftigte. Den Text eines Liedes wie „Understanding In a Car Crash“ oder „For the Workforce, Drowning“, das mein Lieblingslied am Donnerstag ist, mitzulesen – es öffnet einem einfach den Geist im Sinne von „S–t, fast“. Keine der anderen Bands in meinem CD-Regal schreibt so.“

Rückblickend fühlt sich alles an Dashboard einfach so organisch an. Es wurde schon eine Milliarde Mal gesagt: „Oh mein Gott, es war verrückt, dass ein Akustik-Solo-Typ Punkshows spielt.“ Es war eines der Dinge, die, ja, es kommt einem wie ein Klischee vor, wenn man das Zeug oft gelesen hat, wenn man sich wirklich für diese Musik interessiert. Aber es ist so wahr.

„Screaming Infidelities“ ist der größte Song aus der Dashboard-Ära, als es nur Chris Carrabba und eine Akustikgitarre gab. Und es war so organisch – Fiddler Records, Amy Fiddler, die das Label leitete, sie hatte nur einen lokalen Vertrieb für Geschäfte in Florida, also hatte sie keinen nationalen Vertrieb, um das Album in Chicago oder Jersey oder so zu bekommen. Und der Grund, warum es so groß wurde, liegt vor allem daran, dass Kinder es auf Napster geteilt haben, nachdem sie ihn live gesehen hatten – oder ihn nicht einmal live gesehen hatten –, als Napster gerade an Fahrt gewann.

Später im Buch wird es lustig, als Dashboard bei einem großen Label unterschreibt und sie versuchen, Chris dazu zu bringen, eine Anti-Piraterie-Werbung zu drehen, und er sagt: „Das kann ich nicht, das sind meine Leute.“ Der Versuch, den Filesharing einzudämmen, war damals eine große Sache, aber Ihr Buch vertritt den Standpunkt, dass die Szene ohne ihn nicht auf die gleiche Weise hätte ablaufen können.

Ja, die Sache mit dem Filesharing ist so: Wenn man jetzt so viel Zeit hat, darauf zurückzublicken, ist offensichtlich gut dokumentiert, wie es zumindest zeitweise die Gewinne der Branche schmälerte. Aber auch Künstler wie Dashboard hätten ohne Napster nie Karriere gemacht. Wenn es Napster nicht gegeben hätte oder Dashboard etwa 1996 statt 1999 angefangen hätte, wäre es wahrscheinlich nie über eine lokale Sache in Florida hinausgekommen.

Eine meiner Lieblingsszenen im Buch ist ihr Kampf gegen die Strokes um den MTV2-Award im Jahr 2002 bei den VMAs. Am Ende wird es ein ziemlich großer Moment, wenn sie gewinnen. Offensichtlich wird Ihr Buch mit „Meet Me in the Bathroom“ verglichen, denn in vielerlei Hinsicht ist es eine Art Spiegelbild: Es geht um das, was auf der anderen Seite des Flusses passiert, mit den nicht ganz so coolen Szene-Kids aus New Jersey im Vergleich zu anderen die Hipster-Kids aus New York. Und es gibt in dem Buch lustige Momente wie diesen, in denen sich die beiden Szenen für eine kurze Sekunde überschneiden. Was bedeutete dieser Moment – ​​vielleicht nicht einmal für Dashboard selbst, sondern für ihre Fans oder die Szene, dass sie gegeneinander antraten und Dashboard den Preis mit nach Hause nahm?

Ja, für mich als Kind wusste ich damals, dass The Strokes eine Sache sind, aber sie kamen mir nicht wie diese riesige Rockband vor. In Zeitschriften fühlten sie sich definitiv groß. Sie und Bands wie Interpol und die Yeah Yeah Yeahs, diese frühen Kernbands von Meet Me in the Bathroom – ich kannte sie definitiv. Wahrscheinlich waren die White Stripes für mich damals die Größten von allen. Aber für mich und meine Freunde und Kinder, die ich wusste, fühlte sich eine Band wie Dashboard oder Thursday oder Fall Out Boy einfach viel größer an. In mancher Hinsicht gibt es wahrscheinlich Kennzahlen, die das belegen, und in anderer Hinsicht war mir wahrscheinlich einfach nicht bewusst, wie wichtig The Strokes waren.

Aber ja, Sie haben über den Fluss als Trennlinie gesprochen – und trotz der Nähe zwischen den Vororten und New York City fühlt es sich tatsächlich wie zwei verschiedene Welten an, was den Einfluss angeht. Und einige davon waren auch Bands, die Shows für alle Altersgruppen spielten, Dinge, die für Kinder in den Vororten zugänglich waren, im Gegensatz zu Bands in New York City, die Shows für 18+ oder 21+ spielten. Außerdem war es teuer und dauerte viel länger, als man denken würde, um zu einer Show in der Stadt zu gelangen, beispielsweise in der Webster Hall oder der Mercury Lounge, wenn man aus der Mitte von New Jersey anreist.

Natürlich werden wir über größere Hits als diesen sprechen, aber denken Sie, dass Dashboard – und vielleicht insbesondere dieser Song – immer noch das Bild ist, das die meisten Menschen im Kopf haben, wenn sie das Wort „Emo“ hören?

Ich denke, Leute in einem bestimmten Alter. Ich denke, vielleicht Leute, die 2002 in der Oberstufe waren. Für sie sind Sachen wie „My Chemical Romance“ und „Fall Out Boy“ vielleicht etwas anderes – sie sind etwas zu poppig – und für sie ist Emo eher mit Punk verbunden. Was, wissen Sie, Dashboard ist.

In einer frühen Version meines Vorschlags habe ich ihn so strukturiert, dass er mit Jimmy Eat World beginnt. Weil „The Middle“ so ein großer Song ist, offensichtlich der erste echte Pop-Top-40-Hit dieser Szene. Und ich dachte mir: „Oh, die Erzählung ist so perfekt – es ist eine 90er-Jahre-Emo-Band aus Arizona, die bei Capitol Records unter Vertrag steht und von der sie abgesetzt wurde, aber diese klassischen Alben aus den 90ern hatte. Und dann gingen sie auf die Bühne.“ ihren eigenen Cent und haben sich neu erfunden. Oh ja, das ist die Erzählung – das macht so viel Sinn.“ Und sie sind wie meine Lieblingsband. Bleed American war das erste Album, das ich mit meinem eigenen Geld gekauft habe.

Aber wie ich schon sagte, ich wollte die Sachen, die irgendwie älter sind als ich, wirklich authentisch machen. Und je mehr Leute aus den 90ern, die Teil der Szene waren, mit denen ich gesprochen habe, desto mehr kam es mir so vor, als ob Jimmy Eat World mit „The Middle“ groß rauskam, so etwas wie aus dem Nichts. Die Leute waren so begeistert von ihnen, aber es fühlte sich so unerwartet an. Während die Szene wirklich im Mittelpunkt stand – und worüber die Leute sprachen, welche Bands ihre Alben umschrieben, damit sie mehr klangen –, waren es Sachen wie Saves the Day und Thursday. Diese Bands waren wirklich der Kern dieser Erzählung um das Jahr 1999 herum.

Während Jimmy Eat World eine Art unerwarteter Star ist, der einfach irgendwo im Jahr 2002 auf der Bühne auftaucht. Also habe ich versucht, das in meinem Buch widerzuspiegeln und sie irgendwie aus dem Nichts auftauchen zu lassen, etwa aus Mesa, Arizona 100 Seiten.

Ich habe das Gefühl, dass dieses Album und dieser Song zu diesem Zeitpunkt ziemlich allgemein beliebt sind, aber zu der Zeit, als er in Pitchfork veröffentlicht wurde, wahrscheinlich in einer Reihe anderer gleichgesinnter Veröffentlichungen. Warum, glauben Sie, galten Jimmy Eat World, selbst als eine der nachdenklicheren und zugänglicheren Bands dieser Szene, zu dieser Zeit immer noch als Pitchfork-Gräuel?

Weil sie so ernst sind. Tatsächlich erinnere ich mich an das erste Mal, als mir jemand Pitchfork zeigte, ich erinnere mich, dass ich Jimmy Eat World nachgeschlagen habe, weil sie meine Lieblingsband waren, und einfach schockiert war, dass Clarity nicht gemocht wurde. Weil ich daran so gewöhnt war – selbst wenn jemand Bleed American nicht mag, würde er Clarity trotzdem lieben. Das schien einfach akzeptiert zu sein. Und auch, weil ich damals so gut wie nur Punk-Publikationen gelesen habe. Ich stimme der Rezension überhaupt nicht zu – ich bin mir ziemlich sicher, dass Ryan Schrieber sie geschrieben hat. Aber ich denke, es ist eine ziemlich lustige, gut geschriebene Rezension.

Aber ja, etwas Ernsthaftes war einfach etwas, das die etwa 20-Jährigen in der Stadt auf die Palme bringen würde. In dem Buch gibt es ein wirklich gutes Zitat von Ian Cohen darüber, wie die Leute dachten, Punk sei „korrumpiert“ worden. Und ich glaube wirklich, dass viele der damaligen Musikautoren um die 20 aus New York City oder Chicago so empfanden. Die Tatsache, dass es einfach nicht mehr wirklich an die Politik gebunden war. Und es ging so sehr um mich selbst. Ich denke, dass viele Generation-X-Menschen und Punk-Kids der 90er darüber sauer waren. Und um ehrlich zu sein fühlte ich mich wahrscheinlich auch entfremdet und alt.

Mann, das Gebrauchte ist so wichtig. Und das wurde mir erst wirklich bewusst, als ich mit der Arbeit an dem Buch begann. „Taste of Ink“ aus ihrem selbstbetitelten Album „'02“, einem Klassiker von af–king. Als es herauskam, habe ich ihm nicht genug Chance gegeben. Ich kannte „The Taste of Ink“ und kaufte ihr zweites Album, verbrachte aber nicht viel Zeit damit. Das erste Album ist einfach sehr gekonnt produziert, aber auch so roh und knorrig. Es schafft einfach dieses Gleichgewicht.

Ich denke, der Satz von Thursday zu MCR ist mittlerweile ziemlich bekannt: „Thursday, die Band, die dir MCR gebracht hat.“ Was wahr ist. Aber die andere Seite der Medaille in Bezug auf die Band, die MCR gemacht hat, ist The Used. Wenn ich zum Beispiel davon spreche, dass es die dritte oder vierte Band ist, die durch die Tür kommt, die groß wird – The Used war die Band direkt vor MCR, und sie wurden ein paar Jahre lang ziemlich groß. Bert war eine halbe Minute lang mit Kelly Osbourne zusammen und trat bei „The Osbournes“ auf, einer damals großen MTV-Show. Und „The Taste of Ink“ war ein großer Hit, und sein Erfolg hat meiner Meinung nach wirklich Türen für kreischende Post-Hardcore-Musik im Mainstream geöffnet. Noch mehr als am Donnerstag.

In dem Buch wird darüber gesprochen, wie Bert und Gerard Way von MCR eine Art körperlichen Flirt hatten, der nicht unbedingt sexuell war, bei dem sie sich vor Fremden küssten oder Händchen hielten, aber sie taten es gewissermaßen als Provokateure und als Knopfdrücker dieser Weg. In dem Buch wird nicht viel über Persönlichkeiten gesprochen, die zu dieser Zeit offen schwul waren – während viele dieser Bands eine semi-androgyne oder geschlechterspezifische Ästhetik annahmen, wird kaum über tatsächliche Queerheit gesprochen. Glaubst du, dass sich Dinge wie das Knutschen von Bert und Gerard damals progressiver oder regressiver angefühlt haben? Und gab es damals eine echte LGBTQ-Präsenz in der Szene?

Es ist eine äußerst komplizierte Frage. Das ist für sich genommen wie ein Aufsatz mit 10.000 Wörtern. Ich meine, die Szene war extrem regressiv und hat in vielerlei Hinsicht traditionelle Geschlechternormen durchgesetzt. Aber dann gab es, wie Sie sagten, Bands wie The Used und MCR, die Make-up trugen und sich definitiv nicht traditionell männlich kleideten. Und Gerard und Bert, die sich vor der Kamera küssten – ich glaube, das hat niemanden dazu ermutigt, sich zu outen, zumindest leider nicht in großer Zahl.

Das ist eine Schande – weil ich denke, dass so etwas und die Leute, die Gerard im Laufe der Jahre gesehen haben, die Figur, die er war und was er für diese Musik bedeutete, diese Szene definitiv viel vielfältiger gemacht haben. Wenn Sie MCR live sehen oder einfach zu „When You Were Young“ oder einem Festival wie dem Adjacent Fest gehen, ist das jetzt offensichtlich eine sehr queere Szene, besonders wenn es eine Show ist, in der MCR spielt. Das ist großartig, und ich denke, das ist ehrlich gesagt der Hauptgrund dafür, dass sich die Szene immer noch wichtig anfühlt und immer noch das Gefühl hat, dass sie etwas bedeutet.

Abgesehen davon ist es seltsam, dass es in mancher Hinsicht so an die Grenzen des Geschlechts ging und wie sich die Leute damals präsentierten, aber es war auch wirklich homophob. Ich habe zum Beispiel viel mit Buddy Nielsen, dem Sänger von Senses Fail, für das Buch gesprochen – er ist jemand in dem Buch, der erst in den 2010er Jahren herauskam. Und ich fragte ihn: „Gab es in der Ära der 2000er viele Leute, die unterwegs waren?“ Und er konnte kaum an jemanden denken. Und er sagte nur: „Ja, wenn ich in den 2000ern statt Mitte der 2010er herausgekommen wäre, wäre das wahrscheinlich schlecht für die Karriere von Senses Fail gewesen.“

Sie haben erwähnt, dass Bert und Kelly Osbourne eine Sache sind. Es ist lustig, die Art Pop-Crossover einiger dieser Emo-Bands – es war nicht nur eine Radiosache, es war eine Sichtbarkeitssache, fast eine TMZ-Sache. Es gibt Machtpaare wie sie und Pete Wentz und Ashlee Simpson, für eine Minute sogar Travie McCoy und Katy Perry. Wie groß war der Übergang von Emo zum nationalen Bewusstsein, der gute Prominente hervorbrachte?

Ich meine, es hat definitiv viel damit zu tun, warum es in den 00ern und nicht in den 90ern groß wurde, wissen Sie? Es ist so, als ob Cap'n Jazz definitiv nicht mit jemandem zusammen war, der berühmt ist. Wenn sie es getan hätten, hätte der American Football vielleicht zu seiner Zeit seinen verdienten Platz bekommen.

TBS fühlt sich einfach wie Highschool an. In vielerlei Hinsicht tun sie das immer noch, wenn man bedenkt, wie viele Mitglieder die Band verlassen haben und neu dazugekommen sind und wie viele Streitereien es im Laufe der Jahre gegeben hat. Und vieles von „Tell All Your Friends“ ist wie „er-sagte, sie-sagte“ und einfach nur ein kitschiges Hin und Her. Dies ist eines dieser Alben, das wirklich den Ton für alles vorgab, was unmittelbar danach kam. Was Alben betrifft, bei denen jede Band in der Szene, sobald das Album veröffentlicht wird, einfach sagt: „Oh scheiße, die Szene entwickelt sich jetzt in diese Richtung, wir müssen unser nächstes Album neu schreiben.“ Als dieses Album 2002 herauskam, war es der Bezugspunkt für Szenebands.

Es ist lustig, wenn man jetzt auf viele dieser Songs und insbesondere auf diesen zurückblickt, fühlt es sich so an, als ob viele Leute die Szene jetzt als bedauerlich empfinden – in Bezug auf die Kleinlichkeit und Frauenfeindlichkeit darin , und die eingebaute, irgendwie schlechte Stimmung. Aber es scheint nicht, dass es der Zuneigung der Menschen zu diesem Lied 20 Jahre später schadet.

Nun, der offensichtliche Grund ist, dass den Mitgliedern von Taking Back Sunday nie das vorgeworfen wurde, was Jesse Lacey oder Brand New vorgeworfen wurde. Ich denke, es geht darum, tatsächlich Grenzen zu überschreiten – weißt du, ich habe nicht alle Texte im Kopf, aber ich denke, im Allgemeinen deckt es das Gebiet ab, in der Highschool zu sein und einfach angstvolle Gefühle zu haben über Dating und Freunde, die man rausbringen muss. Vielleicht verwendet es gewalttätige Bilder – das ist nicht die beste Art, es auszudrücken, und wenn Sie kein Teenager mehr sind, haben Sie hoffentlich gesündere Wege gefunden, es auszudrücken. Aber ich denke, für Menschen in diesem Alter gehört es einfach dazu, Musik zu haben, um ihre jugendlichen Ängste auszudrücken, wenn man 15 ist oder was auch immer.

Die Fehde zwischen TBS und Brand New – sie eskalierte, deeskalierte und eskalierte dann wieder – und wurde schließlich äußerst territorial. Hat es der gesamten Szene irgendwie Auftrieb gegeben, dass es so verfeindete Fraktionen gab, in denen man sich mit der einen oder anderen identifizieren konnte? Es scheint, als ob in fast jeder großen Rockbewegung der letzten 40 Jahre diese Art von „Oh, du bist entweder einer dieser Band-Typen oder du bist ein jener Band-Typen“-Kampf im Mittelpunkt stand.

Ich denke, dass Rivalität immer noch viel damit zu tun hat, warum sich die Leute für Taking Back Sunday-Songs begeistern. Wenn man sie diesen Sommer auf Tour sieht, bin ich mir sicher, dass einer der Songs, der am besten ankommt, „No I in Team“ sein wird, und dieser Song wurde über Jesse Lacey geschrieben. Es war einfach so, wenn man mit seinem Freund, der gerade erst in die Szene eingestiegen ist und ein paar Lieder gehört hat, aber nichts über Taking Back Sunday wusste, zur Show gegangen wäre, dann wäre man einfach da gewesen Zum Beispiel: „Oh ja, und es gibt da noch diese andere Band aus Long Island, die langsam populär wird, namens Brand New, und dieses Lied – lass es mich für dich spielen – dieses Lied handelt von der Sängerin …“

Es gibt also sofort eine Erzählung, es gibt einen Hook, der einen in seinen Bann zieht, anders als nur: „Oh, das ist ein Album, die Songs sind gut.“ Erzählung ist immer so wichtig, wenn es darum geht, Menschen in die Musik hineinzuziehen. Und dieser Film hat definitiv unappetitliche Teile, und Teile, die im Nachhinein ziemlich kitschig sind. Aber die Rivalität war sehr real, definitiv für ein paar Jahre in den frühen 2000er-Jahren.

Die Art und Weise, wie ich in dem Buch an Brand New herangegangen bin, habe ich gleich zu Beginn dargelegt – wo ich sage: „Ich wollte zeigen, wo und wie Brand New die Erzählung von Emo vorangetrieben hat, die groß wurde, ohne Jesse Lacey selbst zu verherrlichen.“ Und ich sagte, was die Vorwürfe gegen ihn waren. Wenn ich für eine Website eine Liste mit den besten Songs einer Ära schreiben würde, würde ich Brand New zu diesem Zeitpunkt wahrscheinlich keinen Platz einräumen. Denn warum sollte man ihn noch mehr verherrlichen? Aber beim Schreiben des Buches gibt es keine Möglichkeit, diese Geschichte zu erzählen, ohne über Brand New und ihren Einfluss zu sprechen. Vor allem, weil es sich um eine mündlich überlieferte Geschichte handelt.

Ihre Anziehungskraft ist so kultisch und spezifisch, dass man sie kaum in Worte fassen kann. Und für mich fängt dieses Lied das am besten ein. Ein großer Teil des Songs ist so lyrisch geprägt. Die ersten zwei Minuten oder so ist es nur ein sehr, sehr spärlicher Song mit nur ein bisschen Gitarre, kaum Percussion … und das wäre so ein Moment in einer Live-Show, in dem Kinder mitsingen und diesen Mist essen . Ich habe das Gefühl, es muss so seltsam sein, es zu entziffern, wenn man nicht in der Nähe wäre. Denn es ist einfach so: „Ist dieser Kerl damit wirklich einverstanden? Sagt er wirklich: ‚Ich bin vom Himmel gesandt, wagst du es nicht, es zu vergessen‘?“

Für mich und meine Einstellung dazu – ich liebte „Brand New“. Ich erinnere mich, dass ich für einen Blog eine Rangliste der Alben von Bands dieser Szene erstellt habe, und ich glaube, das war 2014, 2015, und ich habe Deja Entendu auf Platz 1 gesetzt. Das ist also mein Ausgangspunkt. Aber wenn Brand New jetzt wieder zusammenkommen, werde ich nicht zu dieser Show gehen.

Wie viel davon mit Deja Entendu und dem einzigartigen Platz, den dieses Album bei den Fans dieses Augenblicks einnimmt, ist, dass es so groß war, wie es nur sein konnte, ohne sich wirklich zu überschneiden? Es fühlt sich an wie eine ikonische Veröffentlichung seiner Zeit, aber es gab keine wirklichen Hits auf dem Album, es hat es nicht in das größere Bewusstsein geschafft – Jesse Lacey war kein Popstar – fühlt es sich irgendwie wie das Größte an? von dem Emo-Kids immer noch sagen können, dass es ganz ihnen gehört?

Ja. „So groß, wie man in der Szene werden kann, ohne zu überqueren“ scheint wirklich eine treffende Beschreibung zu sein. Und ich denke, das ist zum großen Teil der Grund dafür, warum Szene-Kids bis in die 2010er-Jahre hinein – hoffentlich endeten die Vorwürfe ans Licht –, warum ihnen diese Musik so verschlossen blieb. Weil es sich immer noch so anfühlte, als ob es ihnen gehörte. Während eine Band wie Fall Out Boy oder MCR in den Popstar aufstieg, schaffte es Brand New nie. Doch sobald sie eine Tour ankündigten, war diese ausverkauft.

Wissen Sie, mit dem Buch – eine weitere Sache, die ich schreibe – ist, dass ich wirklich hoffe, dass dieses Buch denjenigen, die durch Jesse Lacey verletzt wurden, keinen weiteren Schmerz bereitet. „Brand New“ musste aufgenommen werden, um die Geschichte zu erzählen. Aber ich hoffe nur, dass ich niemandem noch mehr Leid zugefügt habe.

Ich bin mir sicher, dass sie immer noch sehr regelmäßig bei Emo-Abenden und bei nostalgischen Momenten großer Gruppen im Allgemeinen gespielt werden. Glauben Sie, dass es irgendeine Art von Abrechnung mit den Beziehungen der Leute zu Brand New gegeben hat, wenn es um den durchschnittlichen Fan geht? Gibt es jetzt eine andere Stimmung, wenn diese Mitsing-Momente passieren? Oder heißt es: „Nein, das waren die Hymnen unserer Jugend und wir wollen ihnen kein zusätzliches Gewicht beimessen?“

Wenn so etwas in einer sehr öffentlichen Umgebung passiert, bin ich kein Fan davon. Ich glaube leider, dass es vielen Leuten entweder egal ist oder sie es einfach nicht wirklich wissen. Ich denke, wenn man in der Musikindustrie arbeitet, vergisst man leicht, dass viele Leute ihre Erfahrungen mit Musik nur darin machen, sie auf Spotify zu streamen. Und diese Leute lesen weder Wikipedia noch halten sie sich über Neuigkeiten auf dem Laufenden oder informieren sich über viele spezifische Dinge über den Künstler. Wahrscheinlich sind die Songs von Deja für viele Leute die Songs, die manchmal in Emo-Playlists auf Spotify auftauchen. Und wahrscheinlich sind sich viele Leute nicht einmal der Situation um Jesse Lacey bewusst.

Ich denke, sie haben im Grunde das Hardcore-Ding, über das ich vorhin gesprochen habe – mit der Produktion von Hardcore-Pop – im Grunde genommen so weit gebracht, wie man gehen konnte, und es trotzdem zu Hardcore-Musik gemacht. Über „Sugar, We're Goin Down“ hinaus musste es woanders hingehen. Sie gingen so weit wie möglich in diese Richtung. Und Fall Out Boy ging woanders hin, mit Infinity on High. Aber ich weiß noch, dass ich es damals so cool fand, zu sagen: „Wow, das ist wie ein Hardcore-Song, den man anhören kann – aber er läuft ständig auf Z100.“ Und es war wie: „Yo, das ist die Aufschlüsselung hier, das ist der wirklich schwere Teil, es ist tatsächlich irgendwie insgeheim schwer … das ist so verrückt, dass das tatsächlich auf Z100 passiert, nicht nur ein bisschen, sondern ziemlich viel.“ "

Pete Wentz ist eine Figur in Ihrem Buch, die bis in die Mitte der 90er Jahre zurückreicht, in „Racetraitor in Chicago“. War der Erfolg von Fall Out Boy nur darauf zurückzuführen, dass Wentz in Patrick Stump jemanden traf, der über das nötige Gesangstalent verfügte, um seine Vision umzusetzen?

Patrick ist so wichtig. Ja. Da ist das – es ist so lustig, wie extravagant Pete ist, wenn er über diese Dinge spricht. Es gibt ein Zitat in dem Buch, in dem Pete sagt: „Bevor ich Patrick traf, fühlte ich mich wie ein Maler, der auf eine leere Leinwand starrte, aber ich konnte nur mit den Fingern malen, und dann traf ich Patrick und er zeigte mir den Weg …“ Aber es ist so Stimmt, denn Pete hatte die Vision, Pete war bereits eine kleine Berühmtheit im Hardcore-Bereich. Aber Pete ist nicht wirklich ein Sänger. Als Hardcore-Frontmann ist er ein guter Frontmann, der schreit, aber er ist kein Sänger. Und er ist ein wirklich guter Texter. Wie so viele Bands oder kreative Erfolge ist es also eine Partnerschaft von zwei Personen. Und genau das sind Stump und Wentz – sie waren völlig ineinandergreifend, symbiotisch, füllten die anderen Seiten aus und das war's. Sie waren das perfekte Duo.

Es ist lustig, wie die VMAs immer wieder in Ihrem Buch auftauchen – es ist sozusagen der Ersatz für alle Preisverleihungen und Auszeichnungen der Branche –, aber sie sind für den MTV2-Award 2005 gegen My Chemical Romance nominiert. Und sie gewinnen, und es ist für viele Leute überraschend, aber sie gehen nach oben und danken MCR als Teil davon. Und es gibt ein Zitat von Andy Greenwald in dem Buch darüber, dass die beiden Bands irgendwie zusammen, aber auch irgendwie nicht zusammen sind – sie benutzen sich gegenseitig als Maßstab. Was ist Ihrer Meinung nach die Dynamik zwischen diesen Bands, die Mitte der 2000er sozusagen zu den prägenden Emo-Bands wurden?

Nun, auch in diesem Teil sagt Andy: „Dies war eine Zeit, in der ihre Pläne aufeinander abgestimmt waren.“ Was meiner Meinung nach eine sehr gute Art ist, es auszudrücken. Ich meine, dass „Fall Out Boy“ diesen Preis gewonnen hat und „MCR“ geschrien hat, das war ein echter Beweis für die Stimmung in der Szene damals. Wo es nur hieß: „Unterstützt die Szene!“ Und vieles davon ist ernst gemeint, wissen Sie? Die Szene war in vielerlei Hinsicht eine isolierte Sache – die wirklich populär wurde, aber es ist immer noch eine isolierte Sache, dieser Gegenkultur-Club, der irgendwie viel größer geworden ist, als irgendjemand gedacht hätte. Und ein Teil des Ethos bestand darin, die anderen Bands anzufeuern und ihr Lob zu singen.

Dies war eines der Genres, in denen es ziemlich üblich ist, Künstler auftreten zu sehen, die aber das Band-T-Shirt eines anderen Künstlers tragen. Wo die Stimmung so ist: „Ja, meine Band ist cool, aber diese andere Band auch.“ Und weißt du, ich denke, dass MCR von Fall Out Boy angeschrien wird, ist ein gutes Beispiel dafür. Und ich denke, in diesem Moment sind die Bands definitiv freundlich zueinander. Es wäre ziemlich krank, sie zusammen auf Tour gehen zu sehen. Logistisch weiß ich nicht, ob das wirklich machbar wäre. Weil sie beide groß sind, aber auf ziemlich unterschiedliche Weise. Ich denke, das ist der Grund, warum sie mich als Co-Hauptdarsteller des Buches so faszinierten.

Die ultimative perfekte Emo-Pop-Crossover-Single der 00er: „Sugar, We're Goin Down“ oder „The Middle“?

Ich meine, „The Middle“ hat mein Leben so sehr verändert. Ich kann nichts anderes sagen als „Die Mitte“.

Ich weiß also, dass die Massen „I Write Sins Not Tragedies“ mittlerweile wahrscheinlich als den großen Panik-Song ansehen, zumindest auf ihrem Debütalbum „A Fever You Can’t Sweat Out“. Aber – die Echten wissen – das war der erste Song, der im Internet für Aufsehen sorgte. Es war „Zeit zum Tanzen“. „I Write Sins“ war erst erhältlich, als das Album tatsächlich erschien. „Time to Dance“ war die erste Demo von Panic!, die online veröffentlicht wurde, nachdem Wentz begonnen hatte, sie zu übertreiben. Es war das Lied, mit dem für sie alles begann. Und wenn man sie in dieser Zeit gesehen hätte, hätte dies mit Sicherheit eine der besten Reaktionen von allen auf diesem Album hervorgerufen.

In vielerlei Hinsicht ist es einfach so, dass ich all die Jahre diese Ära der Panik! durchlebt habe. fühlt sich für mich so cool und einzigartig an. Denn für mich fühlt es sich an wie der erste Superstar-Künstler, der ausschließlich aus dem Internet kam. „Fever“ fühlt sich an wie dieses Album, und das erste, was dabei herauskommt, ist „Time to Dance“.

Die andere interessante Sache, die irgendwie damit einhergeht – jemand spricht in Ihrem Buch darüber, wie Panic! waren sozusagen die erste Band dieses Augenblicks, die überhaupt nicht darüber nachdachte: „Wie spielen wir diese Songs live?“ Weil sie es nicht wirklich geschafft haben, durch die Szene zu kommen und live ihren Beitrag zu leisten. Sie waren also in der Lage, über diese Songs nachzudenken und sie sich irgendwie auf eine Weise vorzustellen, die sich live nicht unbedingt übertragen ließe – Beat-Wechsel, zusätzliche Instrumentierung, nicht die Art von Dingen, die vier Jungs in einem kleinen Veranstaltungsort unbedingt alleine nachbilden können . Aber dadurch wirken die Songs – und dieser ganz besonders – musikalisch sehr umfangreich.

Ja, dieses Album und einfach Panic! Damals hat es so viele Leute verärgert, dass es so groß geworden ist. Ich meine, weil sie noch nie wirklich auf Tour waren, einen Vertrag bekamen und sofort groß rauskamen und nicht „ihren Beitrag zahlten“ – weil sie live mit vielen Backing-Tracks spielten, weil es so viele zusätzliche Instrumente gab Das Album – sie waren superpolarisierend. Jeder hatte eine Meinung dazu. Sie waren wie ein Blitzableiter für alles.

Aber sie scheinen ihrer Zeit jetzt sehr weit voraus zu sein.

Irgendwie zufällig. Denn ich glaube nicht, dass sie das Album mit dem Gedanken gemacht haben: „Wir müssen dafür sorgen, dass Backing-Tracks in der Szene akzeptiert werden – die Szene war viel zu lange gegen zusätzliche Live-Instrumentierung, wir müssen Backing-Tracks normalisieren!“ Ich glaube nicht, dass das die Absicht war. Die Absicht war, dass sie es nicht besser wussten, weil sie noch nie zuvor auf Tour gewesen waren. Und weil GarageBand gerade erst auf den neuen MacBooks herausgekommen war, verfügten sie über die grundlegende Technologie, um diese Songs zu erstellen, für die man früher im Grunde eine eigene menschliche Garagenband aus Leuten brauchte, die in einer Garage auftraten.

Glaubst du, dass die Rolle, die Ryan Ross in der ursprünglichen Vision der Band gespielt hat, jetzt, da Panic! ist hauptsächlich Brendan Urie?

Oh, total. Und ich habe wirklich versucht, die Bedeutung von Ryan Ross in dem Buch hervorzuheben. Denn Ross war der Haupttexter von „Fever“, und vieles davon waren sehr persönliche Texte über seine turbulente Beziehung zu seinem Vater und die Suchtprobleme seines Vaters. Da ich damals ein Fan der Band war, fühlte es sich definitiv viel mehr wie eine Band an. Brendon Urie war bis zu einem gewissen Grad berühmt, weil er der Sänger war, aber Sie wussten irgendwie ... alle ihre Namen? Ich erinnere mich, dass es eine große Sache war, als Brent, der ursprüngliche Bassist, aus der Band geworfen wurde. Also die Fever-Ära von Panic! war definitiv eine Gemeinschaftsleistung, und Ryan Ross als Haupttexter und ein großartiger Mitarbeiter von Brendon … man kann Ryans Bedeutung nicht unterschätzen.

In vielerlei Hinsicht fühlt sich „Black Parade“ wie die Vollendung von allem in diesem Buch an. MCR hat es im Grunde genommen so weit gebracht, wie Sie konnten, wissen Sie? Eigentlich das ehrgeizigste Album, das man sich von einer Band ihresgleichen vorstellen kann. Und sie haben es geschafft. Dies war der Song, der endlich den typischen klassischen Rockfan und Emo-Hasser dazu brachte, zu sagen: „Weißt du was? MCR, denen geht es gut, denn sie haben diese Rockoper und sie erinnert mich an Queen und Rolling.“ Stone sagt mir, dass es in Ordnung ist.

Aber dann ist es so: Was kommt danach? Nichts. Es ist schwer, sich Bands vorzustellen, die wirklich versucht hätten, es nachzuahmen oder abzuzocken, weil es so unantastbar war. Es war wie: „Wie versuchst du überhaupt, es abzuzocken?“

Eines meiner wiederkehrenden Lieblingsthemen in Ihrem Buch ist, dass andere Künstler über My Chemical Romance sprechen und sagen: „Wir dachten, wir wären ziemlich gut, wir dachten, unser Album sei knapp, und dann hörten wir Three Cheers oder wir hörten Black Parade und wir.“ sagten: ‚Ah, verdammt. Sie haben uns geschlagen.‘“

Ja, dazu gibt es im Buch ein paar gute Zitate von Taking Back Sunday. Also ja, ich bin mir sicher, dass es einige Bands definitiv neidisch gemacht hat, als es herauskam. Aber es fällt schwer, sich jemanden vorzustellen, der auch nur klanglich und ästhetisch versucht hätte, es nachzuahmen. Und definitiv hat es niemand übertroffen.

Ich denke, wie bei der nächsten Emo-Welle, wie dem Revival-Zeug, macht es jetzt irgendwie Sinn, wenn man zurückblickt, dass viele dieser Sachen in den Jahren 2007, 2008 und 2009 auftauchten, also in den Jahren unmittelbar nach Black Parade. Nicht, weil es wirklich von Black Parade beeinflusst wurde, sondern einfach wegen der Emo-Mainstream-Sache – wenn Sie ein ambitionierter Musiker sind, der sich wirklich für dieses Zeug interessiert, wohin gehen Sie als nächstes? Ich könnte mir vorstellen, dass Sie im Jahr 2007 nicht wirklich daran denken, Gerard Way oder Pete Wentz zu übertreffen. Das war ungefähr zu der Zeit, als die Leute anfingen, American Football zu entdecken oder wiederzuentdecken, wie zum Beispiel: „Lass uns diese funkelnden Riffs machen und sehen, wie weit wir damit kommen können.“

Scheint vielleicht erreichbarer zu sein.

Ich denke auch, dass sich viele Musiker mehr für etwas interessierten, bei dem es sich anfühlte, als ob sie es anfassen könnten. Das fühlte sich etwas zugänglicher und gemeinschaftlicher an. Nicht, dass Black Parade das nicht wäre, aber wissen Sie, etwas, das sie und ihre Freunde vielleicht in einer Hausshow auf die Beine stellen könnten.

Wenn die Leute in 30 Jahren auf Emo zurückblicken, glauben Sie, dass „Black Parade“ das erste Album sein wird, an das sie denken?

Ja. So würde ich sagen. Ich meine, es ist jetzt. Auch wenn es nicht Ihr Lieblingsalbum der Ära ist, kann man kaum dagegen argumentieren, dass es der Höhepunkt der Ära und der Mainstream-Moment des Emo ist.

Ich habe gerade darüber gesprochen, wie es sich anfühlte, als wäre nach Black Parade alles sozusagen vorbei, so zum Beispiel: „Ja, sie haben Emo-Pop so weit gebracht, wie man konnte, das war's, dann ging es in den Untergrund.“ Dann, im Jahr 2006, gab es Paramore – sie waren eine Big Band, aber sie waren auch so groß, wie man in der Szene sein konnte, ohne außerhalb der Szene groß zu sein. Es ist lustig, daran zu denken, dass Paramore und diese andere Band „Cute Is What We Aim For“ 2006 beide auf „Fueled by Ramen“ waren und wahrscheinlich beide gleich große Bands waren. Hat nicht mehr allzu lange gehalten.

Als Riot zum ersten Mal angekündigt wurde – ich bin mir nicht sicher, ob ich zuerst das Albumcover gesehen oder „Misery Business“ gehört habe – aber ich erinnere mich nur daran, dass ich gesagt habe: „Ja, offensichtlich.“ Da jeder dachte, dass die Band riesig sein würde, war es nur eine Frage des Zeitpunkts. Das erste Mal sah ich sie hinter All We Know Is Falling, dem ersten Album. Und ich erinnere mich, dass bei der Show Kinder im Mittelschulalter waren. Was man damals ein wenig gesehen hat, aber die Fangemeinde war noch jünger. Und sie hatten ausgedruckte Liedtexte dabei – Kinder brachten die ausgedruckten Liedtexte zum Singen mit. Und es verdeutlichte, wie sehr die Band eine ganz andere Fangemeinde ansprach: jüngere Kinder und natürlich auch junge Frauen.

Denn damals war es völlig normal, dass die Hälfte des Publikums oder mehr als die Hälfte des Publikums junge Frauen waren, wenn man zu Shows ging. Mädchen sind einer der Gründe dafür, dass die Szene so groß wurde, und es ist ziemlich lächerlich – sogar verwirrend – darüber nachzudenken, warum es in dieser Szene bis Paramore keinen großen weiblichen Superstar gab.

Nicht einmal nur ein Superstar – dies ist der 13. Song, über den wir sprechen, und Hayley Williams ist die erste Frau überhaupt, über die wir sprechen, zumindest als Interpretin. Sind Sie der Meinung, dass es diese Bands mit weiblicher Front oder Frauen in Bands zwar gab, sie aber weder von der Szene noch von den Labels oder gar von den Fans die gleiche Unterstützung bekamen wie ihre männlichen Kollegen? Oder glaubst du, sie waren irgendwie entmutigt durch die Tatsache, dass die Szene so männerdominiert war und dass es nicht einmal so viele Mädchen in Bands gab, die es überhaupt versuchten? Wenn Frauen im Publikum so stark vertreten waren, warum schafften es dann so wenige auf die Bühne?

Darauf habe ich immer noch keine wirkliche Antwort. Wenn Sie versuchen zu mögen, denken Sie an die Quelle davon und denken Sie an die frühen Slot-Bands auf Festivals wie Bamboozle oder Warped oder an die Babybands, die bei einem großen Szene-Label wie Victory oder Fueled by Ramen unter Vertrag genommen wurden … das gab es einfach Es gibt nicht viel weibliche Präsenz. Es ist scheiße, aber ich erinnere mich einfach nicht an so viele Frauen in Bands damals, vor Paramore. Ich tue es einfach nicht.

Es war nicht nur für Emo endemisch. Wenn man sich die drei größten Rock-Momente der 2000er Jahre ansieht, zwischen Emo, Nu-Metal und der New-Rock-Revolution, dann haben sie alle genau eine Band mit weiblicher Front in ihrer Art A-Klasse. War das also nur eine Art 2000er-Jahre-Rock im Allgemeinen, und vielleicht rückt Emo aufgrund der lyrischen Schwerpunkte dieser Bands und einiger ihrer problematischen Verhaltensweisen abseits der Bühne mehr in den Fokus?

Ich denke, es bekommt auch zu Recht einiges davon besonderer Fokus, weil Emo so stark mit Hardcore verflochten war, und man kann es bis zu Ian MacKaye und Revolution Summer und progressiven linken sozialen Themen zurückverfolgen. Aus diesem Grund halte ich es für fair – wir sollten natürlich alle Genres unter die Lupe nehmen, aber ich denke, es ist fair, Emo etwas genauer unter die Lupe zu nehmen. Denn wenn man das Genre zurückverfolgt, behauptet es, inklusiv zu sein.

Um noch einmal auf „Misery Business“ zurückzukommen – ich bin gespannt, was die szeneorientierten, eingefleischteren Paramore-Fans von diesem Song halten. Offensichtlich hat die Band ein ziemlich kompliziertes Verhältnis dazu – Hayley sagte sogar, sie würden zumindest für eine Weile damit aufhören, es zu spielen –, weil es eine gewisse regressive Geschlechterdynamik aufweist. Und ich glaube auch einfach nicht, dass es ein Song ist, der wirklich zeigt, was großartig an der Band ist, zumindest im Vergleich zu einigen anderen Songs auf diesem Album und späteren Hits von ihnen. Aber es ist immer noch ein herausragender Teil ihres Katalogs. Ist das auch die wahre Meinung der Fans oder haben sie ein gemischtes Verhältnis dazu?

Ich denke, dass viele Paramore-Fans auf jeden Fall ein gemischtes Verhältnis dazu haben, aufgrund dessen, was Sie über Hayleys Entwicklung und ihre Beziehung zu den Texten im Laufe der Jahre gesagt haben. Soweit ich weiß, scheint „That's What You Get“ der beliebteste Song der Fans auf diesem Album zu sein. Mein Favorit ist „CrushCrushCrush“. Aber ich denke immer noch, dass „Misery Business“ einer der drei oder vier stärksten Songs auf dem Album ist. Und was ich vorhin über MCR und Black Parade gesagt habe: Ich glaube nicht, dass Riot das Genre klanglich unbedingt dazu gebracht hat, Neuland zu betreten. Aber es ist ein außergewöhnliches Rockalbum von einer Stimme, die die Szene dringend brauchte.

Deshalb wollte ich mit dem Buch wirklich Elemente dieser Szene beleuchten, die meiner Meinung nach in den Rissen der Geschichte verloren gegangen waren. Und eines der größten Probleme war, wie sehr diese Szene christlich war. Es war so üblich, Bands sagen zu hören: „Wir sind keine christliche Band, aber wir sind Christen in einer Band. Unser Glaube ist uns wirklich wichtig.“ Damals war es so: „Na ja, einige Bands in der Szene sind geradlinig, andere vegan – oh, diese Band ist christlich.“ Es war einfach eines dieser Dinge, eines dieser Klassifizierungsmerkmale für eine Band, die im Emo- oder Post-Hardcore-Bereich entstand.

Underoath waren nur repräsentativ für eine große Anzahl christlicher und pseudochristlicher Bands in dieser Szene. Zu welchem ​​Paramore in dieser Zeit gehörte. Paramore liebte Underoath. Sie hatten großen Einfluss auf ihr Debüt „All We Know Is Falling“. Und Paramore, insbesondere die Farro-Brüder, insbesondere Josh, gehörten eindeutig zur Kategorie „Christen in einer Band“.

Wenn Sie von den Fans von Underoath sprechen, waren sie dann meistens auch Fans der Band wegen ihres gläubigen Christentums? Oder war das eine Nebensache, und viele von ihnen waren sich dessen vielleicht gar nicht bewusst?

Es war eine Mischung. Und einige Leute – es waren definitiv Kinder aus Jugendgruppen, die sagen würden: „Oh, ich liebe The Underoath und Norma Jean und Emory and Mewithoutyou, weil ich mich für diese Musik interessieren wollte, aber die christlichen Bands waren alles, was meine Eltern zuließen.“ ich höre zu!" Es gab also diese Jugendgruppenkinder, und dann gab es Kinder, die keine Ahnung hatten, wer es einfach liebte, weil es wie harte Musik war, die wirklich nach der Zeit klang.

Es gibt ein Lied – das letzte Lied auf diesem Album wurde vom Sänger einer Band namens Copeland geschrieben oder mitgeschrieben, in der sie namentlich über Jesus singen, und das ist offensichtlich. Aber abgesehen davon glaube ich nicht, dass es jemals jemand entziffern würde.

Einer der lustigsten Teile Ihres Buches – und in gewisser Weise auch traurig – ist die antagonistische Beziehung, die sie zu Fat Mike von NOFX haben. In Ihrem Buch gibt es einige großartige Nebenschurken, und Fat Mike wirkt irgendwie wie ein Relikt aus einer anderen Zeit, der nicht ganz versteht, was mit diesen Bands los ist, aber irgendwie gezwungen ist, mit ihnen zu interagieren, weil sie Wir kommen aus verschiedenen Teilen des Punk-Universums. Und er macht einen Scherz über eines der Bandmitglieder auf der Bühne, der die Band vielleicht für eine Minute auseinander bringt?

[Lacht.] Ja. Das war eines dieser Dinge – diese Fat Mike/Underoath-Sache – wenn man wie ein Szenekind wäre, das jeden Tag AbsolutePunk und Alternative Press liest, wäre das so etwas. Es ist jetzt vergessen, aber es hat mir wirklich viel bedeutet, diese Dinge hervorzuheben. Das war damals so etwas, und es war so sinnbildlich für diese Ära, dass die Szenebands – die Fall Out Boy/MCR-Welle – auf Warped Tour riesig waren. Im Allgemeinen riesig, aber die Warped Tour war so ziemlich der Ort, an dem diese Welten zusammenbrechen würden. So kamen zum Beispiel die Skate-Punk-Bands der 90er Jahre – in denen Fat Mike das Königshaus dieser Menge war – mit dieser jüngeren Generation zusammen, die auf der Warped Tour viel größer wurde als sie, und zogen oft viel größere Menschenmengen an. Im Jahr 2006 hatte die Warped Tour ihr größtes Jahr hinter sich, in dem Fall Out Boy und MCR irgendwie alles übertrafen. Also wollte Kevin Lyman sozusagen noch viel mehr Punkbands buchen, und versehentlich hätte eine von ihnen Underoath beinahe beendet.

Es war eine Art erzwungenes Crossover in diesem Bereich wie Warped. Denn andernfalls wären Bands wie Underoath und Bands wie NOFX beide auf der Warped Tour-Kompositions-CD gewesen oder beide wären in Alternative Press gecovert worden, aber es gab kaum oder gar keine Überschneidungen in ihrer Fangemeinde. Fast alle meine Freunde, die sich für diese Musik interessierten, mochten Underoath, aber als Kind kannte ich niemanden, der NOFX hörte.

Dieses Lied war riesig. Wurde auf wirklich unwahrscheinliche Weise riesig. Es war auf ihrem Album The Papercut Chronicles, das im Grunde wie The Roots klingt, aber Emo. Es erschien Anfang 2005, kurz bevor Fall Out Boy zu Superstars wurde. Und dann war es eines dieser Dinge, bei denen die Szene größer wurde: Fall Out Boy – der Gym Class Heroes entdeckt und inszeniert hatte – wird viel größer. Es gibt also eine größere Plattform für ihr Nachfolgealbum. Aber es ist dieses alte Lied, das im Radio Anklang findet.

Eigentlich ist es eine Geschichte aus dem Jahr 2023 …

Ja, es gibt viele Parallelen zu heute, wie groß „Cupid's Chokehold“ geworden ist. Den Höhepunkt seiner Popularität erreichte es wahrscheinlich zwei Jahre, zweieinhalb Jahre nach seinem Erscheinen, aber es war bereits der nächste Albumzyklus. Es ist also, als würde dieser alte Song von einem früheren Album die Lead-Single des neuen Albums an sich reißen, das eigentlich das große sein sollte.

Gym Class Heroes hat wahrscheinlich bessere Songs – „Taxi Driver“ ist der Song, den ich herausschreien würde, der wahre MySpace-Phänomensong der Gym Class Heroes. Aber dieser Song war riesig, und im Nachhinein finde ich es eine ziemlich coole Sache, wie es auf dieser Welt einen schwarzen Rapper gab, der eine Band anführte, die zu diesem Zeitpunkt noch superweiß war. Abgesehen von Wentz gab es nicht viel Kontakt zur Hip-Hop-Welt. Und wie groß dieser Song wurde, wie groß die Gym Class Heroes ein paar Jahre lang waren, aus dieser Szene herauszukommen, war ziemlich cool.

Sie sprechen davon, dass das Publikum zu diesem Zeitpunkt in der Emo-Geschichte hinsichtlich der Geschlechter ziemlich gleichmäßig gespalten war – was das Publikum betrifft, war es wahrscheinlich immer noch mehrheitlich weiß. Aber es gab schwarze Emo-Fans, und Sie interviewen in Ihrem Buch sogar einige der bekannteren. Wird dieser Teil der Emo-Szene übersehen, oder war es damals wirklich eine so kleine Minderheit?

Ich meine, leider war es immer noch ziemlich weiß. Glücklicherweise ist es seitdem etwas vielfältiger geworden, aber damals war es eine extrem weiße Szene. Ich glaube definitiv, dass „Gym Class Heroes“ die Menschen für mehr Dinge geöffnet hat. Ich erinnere mich, wie ich etwa 2005 die Band meines Kumpels Greg für den Sportunterricht im Stone Pony eröffnete. Und ich erinnere mich, dass Travie sagte – ich paraphrasiere es hier – „Hebe deine Hand, wenn du nicht wirklich mit der heutigen Hip-Hop-Musik in Stimmung bist!“ Ich denke, was er damit sagen wollte, war, dass seine Band eher einen Indie-Ansatz hatte, eine Art Rucksack-Rapper-Stil. Und wahrscheinlich ging er einfach davon aus, dass viele der Kinder nicht wussten, was damals mit Rap los war. Was wahrscheinlich wahr ist.

Aber ich denke, er hat gute Arbeit geleistet und wahrscheinlich einige Kinder dazu gedrängt, mehr Rap-Musik herauszubringen. Ich meine, er hat definitiv mein Interesse ein bisschen geweckt. Ich hörte immer noch größtenteils nur Szenebands, kaufte mir aber Papercut Chronicles. Und wenn ich darüber nachdenke, war das wahrscheinlich die erste Rap-CD, die ich gekauft habe.

Das ist also sozusagen der große Abschluss des Emo-Jahrzehnts, schätze ich?

Ja, und im Gespräch mit einigen Leuten wie Gabe Saporta, der bei dem Song zu Gast war, und Alex DeLeon von der Band The Cab – es fühlte sich damals definitiv so an, sagten sie mir. Es war schon absehbar, dass dies zumindest für eine Weile das letzte Fall Out Boy-Album sein würde. Und ja, es ist ziemlich spannend für sie, einen Song wie diesen zu schreiben und ihn auf das Album aufzunehmen.

Mit Gastauftritten im großen Schlussteil des Liedes aus dem gesamten Pete-Wentz-Kreis und Decaydance Records, die nacheinander kleine Stücke alter Fall Out Boy-Songs singen und so ihrem Stern nachspüren … das Lied, das William Beckett von The Academy singt, heißt ein Lied „Growing Up“, das sogar älter als „Take This to Your Grave“ ist, geht also weit zurück. Und da „Folie a Deux“ bei seinem Erscheinen irgendwie missverstanden wurde – und zwar kein großer Flop, aber doch genug Flop, um den Aufwärtstrend von „Fall Out Boy“ zu stoppen –, scheint es, wenn wir es schaffen, definitiv eine Parallele zur Szene im Allgemeinen zu sein bis 2008. Die Dinge waren nicht mehr im Aufschwung und waren eher am Ende.

Würde dies zu diesem bestimmten Zeitpunkt immer der Endpunkt sein? Wenn Folie a Deux anders gewesen wäre, wenn die Dinge für eine oder zwei dieser anderen Bands anders verlaufen wären, glaubst du, dass Emo in dieser Form seine Relevanz über das meiste Jahrzehnt hinweg hätte behalten können? Oder sollte seine Zeit im Rampenlicht damit enden?

Ja ich glaube schon. Denn selbst in dieser Ära, vom Ende der 2000er bis in die 2010er Jahre, waren Paramore immer noch riesig und hatten einige ihrer größten Hits. Panik! waren noch zusammen. Und einige andere Bands wie Cobra Starship und Gym Class hatten einige ihrer größten Hits.

Allerdings entfernen sich die meisten dieser Bands zu diesem Zeitpunkt vom Emo. Keine dieser Bands klingt wirklich noch wie Emo, wenn sie diese großen Hits landen.

Ja, aber es waren immer noch Bands, die ihre Wurzeln hatten, und ein großer Teil ihrer Fangemeinde bestand aus den Szene-Kids von 2009 oder frühen 2010er Jahren. Es gab also immer noch einige Bands dieser Welt, die wirklich erfolgreich waren. Dennoch fühlte es sich so an, als wäre Emo als Kultur, als Bewegung nicht mehr im Mainstream. Trotz der Pop-Hits, egal was passierte, hatte es gewissermaßen seinen Lauf genommen, als wäre es die prägende coole Jugendkultur. Nun, ich weiß nicht, was cool ist, aber ... als eine prägende Jugendkultur der Zeit.

Ich denke, das war eine Zeit, in der EDM für kleine Kinder in gewisser Weise dieses Gebiet eroberte. Und was die Rockmusik angeht, haben Indie-Rock und Blog-Sachen einen Teil des anderen Territoriums übernommen. Und dann denke ich, dass viele davon so sind, dass Kinder älter werden. Manche Kinder finden einfach kein großes Interesse an neuer Musik – sie stürzen sich einfach so richtig in ihren Job. Oder Gaming. Oder einfach etwas anderes, wissen Sie?

Wenn Sie dieser Liste noch einen weiteren Song hinzufügen könnten, der irgendwie außerhalb der Zeitleiste Ihres Buches stammt, also von 2009 bis heute. Was wäre der einzige Song oder einer der Hauptkandidaten für Songs, die die Emo-Flamme in den vergangenen Jahren am Brennen halten?

Hmm. Es ist das Lied von Lil Peep, das so heißt: „Cocaine, Switchblades… GothBoiClique make…“ Dieses Lied. Aber ja, ich denke an vieles – abgesehen davon, dass MCR wieder zusammenkommt und das Vermächtnis dieser Big Bands, denke ich, dass sich diese Musik immer noch relevant und interessant anfühlt, ein Raum nicht nur für Nostalgie, sondern auch für künstlerisches Wachstum Jetzt gibt es Sachen wie GothBoiClique – besonders Lil Peep, weil er bei weitem der Größte dieser Gruppe war.

Die Szene-Kids hätten sich also für Lil Peep interessiert?

Ja genau. Zum Beispiel die Mitte der 2010er Jahre entstandene Version von etwas, das einem MCR-Superfan ähnelt, der sich einfach so darauf eingelassen hat, wie im „Helena“-Video von 2005 – 10 Jahre später wäre dieser Junge bei einer dieser Lil-Peep-Shows gewesen.

Geschichten über Vorwürfe sexueller Übergriffe können für Überlebende sexueller Übergriffe traumatisierend sein. Wenn Sie oder jemand, den Sie kennen, Unterstützung benötigt, können Sie sich an das Rape, Abuse & Incest National Network (RAINN) wenden. Die Organisation bietet Opfern sexueller Übergriffe kostenlose und vertrauliche Unterstützung. Rufen Sie die National Sexual Assault Hotline von RAINN (800.656.HOPE) an oder besuchen Sie die Website der Anti-Sexual-Gewalt-Organisation für weitere Informationen.

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